Art morbide ? Morbid Art
Des pulsions morbides hantent l’art contemporain, qui n’est plus pour l’essentiel qu’un jeu de guignols manipulés par l’idéologie libérale et l’argent. « Installations », « performances », soporifiques « vidéos » que personne ne regarde ou « photographie plasticienne », qui montre en grand (et mal) ce qui était en petit et snobe souvent la photographie familiale ou de reportage, ne semblent être là que pour nourrir en provende un marché friand de sang neuf… Pourtant, des milliers de créateurs — peintres, sculpteurs, graphistes, designers, architectes — expérimentent et travaillent quotidiennement derrière le filtre de cet art officiel, futile, ludique et cynique. Ils produisent, dans le silence des ateliers, des formes et des sens qui sont aux antipodes de ces « attitudes », de ces « postures », de ces « démarches » un peu trop voyantes et institutionnalisées pour être honnêtes… Un arbre ne peut cacher la forêt. Alain (Georges) LEDUC

ISBN : 978-2-915854-07-7

109 pages Format poche 8€

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Ce soir (1937-1939)

Ce Soir 1937-1939

Aragon : articles de 1937 à 1938

Elsa Triolet : chroniques de 1938 à 1939

Jean-Richard Bloch : articles de 1937 à 1939

Le rexisme

La Suisse en danger

Francis Jourdain : articles de 1938 à 1939

Jean Wiéner : articles de 1937 à 1938

Anna Seghers : Le Juge intègre (nouvelle)

Geneviève Chovrelat-Péchoux : Mémoire, histoire, écriture. Ben Barka ou « la profanation de l’homme » par Aragon

ISBN : 978-2-37607-208-9

367 pages

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Jean Janssen. Peintre du quotidien
Monographie du peintre Auversois Jean JANSSEN (1913-2006). Réalisation et présentation d'Edmond Janssen.
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La trahison de l’avant-garde
Le désenchantement du monde provoqué par l’explication rationnelle de l’univers apporta comme conséquence la réaction de ceux qui, éprouvant de la nostalgie pour un imaginaire paradis perdu, s’arrogèrent la mission d’un nouvel enchantement. Face au grandiose projet des Lumières de remplacer la religion par la philosophie et par la science, les romantiques, puis leurs épigones, se proposèrent un idéal non moins transcendant : remplacer la philosophie et la science non par la religion stricto sensu, mais par la religion de l’art ou la poésie. Ces mouvements irrationnalistes, aussi hétérogènes et confus qu’ils soient, avaient pourtant un trait essentiel en commun : leur hostilité à la société industrielle et la nostalgie d’un imaginaire paradis perdu du monde prémoderne. Ils ont constitué une tradition dont allait se nourrir le prétendu art « moderne », lequel, d’une façon contradictoire et paradoxale, représente également une attaque en règle contre la modernité. Juan José SEBRELI

ISBN : 978-2-915854-89-3

451 pages

24€

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Le surréalisme contre la Révolution
Roger Vailland, romancier dandy, résistant esthète, aurait cent ans cette année. La republication des écrits de combat de ce témoin majeur des conflits intellectuels et politiques du XXe siècle était devenue une urgence. D’autant plus que le surréalisme est sans doute le mouvement littéraire le plus complexe du XXe français, puisqu’y seront passés tant de jeunes écrivains, y compris Vailland. Publié au lendemain de la Libération, « Le Surréalisme contre la Révolution » se présente comme un pamphlet contre André Breton, mais il témoigne aussi du parcours individuel de l’auteur, passé de l’hermétisme du Grand jeu à l’athéisme le plus militant. Ainsi, plus qu’un réquisitoire, ce texte est aussi un plaidoyer pour le rationalisme, dans la tradition des Lumières. Roger VAILLAND

ISBN : 978-2-915854-06-0

115 pages 9€

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L’Art et la révolution
UNIVERSELLEMENT connu en tant que poète, César Vallejo (1892-1938) était également un écrivain complet, c’est-à-dire un intellectuel ayant fréquenté avec bonheur d’autres genres littéraires tels que l’essai, le reportage, la chronique, le roman, le théâtre, les nouvelles, les aphorismes, les scénarios. « Livre de pensées », d’après la définition de l’auteur, conçu entre les années 1920-1930, et publié assez tardivement en 1973 par les soins de Georgette Philippart Vallejo, L’Art et la révolution est un texte sui generis qui ne s’affiche par ni ne possède les caractéristiques d’une monographie ou d’un essai, mais celles d’un recueil de réflexions sur l’art, la révolution, la politique, l’esthétique et une série de thèmes dérivants tel un arbre fécond qui grandit et se développe en étendant ses branches et ses rhizomes. L’ouvrage à la structure fragmentaire, est fait de pensées pressantes abordées avec la créativité et le sens de responsabilité d’un intellectuel marxiste militant. L’Art et la révolution pourrait donc être également perçu comme un texte in progress composé de passages généralement courts, parfois poussés par l’urgence du moment et de l’expérience directe, parfois par les aléas de la réalité et de l’existence qui empêchaient Vallejo d’écrire sereinement (conditions matérielles difficiles, instabilité, difficultés d’intégration dans le marché du travail littéraire local, précarité, etc.). En pensant au milieu de la tension entre l’utopie et la réalité, César Vallejo nous montre de nombreuses possibilités d’interprétation et nous laisse, en même temps, un important témoignage du paradigme de l’intellectuel sincèrement engagé dans l’avenir de l’émancipation de l’humanité. Édition, préface et chronologie par Luis Dapelo Traduction de l’espagnol notes et présentation par Marie-Christine Seguin César Vallejo, né à Santiago de Chuco, Pérou, en 1892 et mort de maladie à Paris en 1938, il a inspiré les plus grands auteurs latino-américains. Ses oeuvres parcourent les générations et son influence ne faiblit pas. Ces poèmes : Los heraldos negros, Trilce, España aparte de mí este caliz, Poemas humanos, compilés en oeuvres complètes, sont régulièrement à l’étude des programmes des concours de l’enseignement de l’espagnol en France et occupent la première place dans les manuels de l’éducation en Amérique latine et en Espagne. Son roman Tungstène a récemment été traduit en français aux éditions Le Temps des Cerises.

ISBN 978-2-37607-219-5

142 pages

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L’esthétique soviétique contre Staline
Tout le monde connaît Andreï Jdanov, le commissaire du peuple à la culture de Staline et ses diktats en matière de création. En revanche, on ignore tout de son « prédécesseur » et pour ainsi dire, son opposé : Anatole Vassiliévitch Lounatcharski. Nul hasard. L’idéologie a tout intérêt à réduire le communisme au goulag, Lénine à Staline, le matérialisme dialectique à Lyssenko et la critique marxiste à quelques vulgates du réalisme socialiste. Mais pour tous ceux qui n’ont jamais accepté le communisme dans sa version momifiée, à commencer par Lénine lui-même, devenu pharaon malgré lui dans un mausolée sur la place rouge, il est enfin temps de découvrir son plus proche conseiller en matière de culture, Anatole Lounatcharski, philosophe, artiste et révolutionnaire. Anatole LOUNATCHARSKI

ISBN : 2-915854-00-9

150 pages 12,50€

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Musique, rupture
Dès la Libération, s’est formé en Italie, à l’intérieur du système, un antagonisme social, culturel et politique. porté par la conscience de la rupture démocratique que l’antifascisme, des années vingt à la Résistance, à 1945, a opérée dans l’histoire nationale. La nouvelle musique italienne fut partie prenante de cette refondation : elle a rompu avec tous les faux rapports jusqu’alors dominants, et fut à la base de la construction d’une nouvelle culture. Elle proposa une musique qui fait penser. Les Bruno Maderna, Luigi Nono, Luciano Berio, Giacomo Manzoni, Sylvano Bussotti, Giovanna Marini, Fausto Razzi, Armando Gentilucci, Franco Evangelisti, Egisto Macchi, Vittorio Fellegara, Domenico Guaccero, Franco Oppo, se sont formés peu ou prou à travers ces luttes. Des travaux précurseurs de Malipiero au Canto sospeso de Nono sur les lettres des condamnés à mort de la Résistance européenne, des Chants de prison, de Dallapiccola qui sont le premier exemple de musique engagée en Italie, au Studio di fonologia de Milan de Maderna, Leydi, Berio, la nouvelle musique italienne entre dans la langue commune, et pose la question de la communication ouverte, linguistiquement ouverte à tous les rapports sonores alternatifs. Ce n’est pas un hasard si Nono écrit que « l’engagement idéologique s’accompagne de l’engagement linguistique ». Dans cette Italie de l’après-guerre se sont développées une recherche et une création musicale nettement différenciées de celle des autres pays marqués trop souvent par la spécialisation et un néo-rationalisme technologique qui prétend déduire les nouvelles structures linguistiques musicales à partir d’une technique de composition entièrement mathématisée. En Italie, la recherche de nouvelles techniques, y compris électroniques, s’accompagna presque toujours de l’urgence de poser la question de la responsabilité sociale du compositeur, des conditions de l’écoute et de l’accès démocratique à la musique. Témoin privilégié de cette époque, Luigi Pestalozza (né en 1928), ancien résistant, musicologue de renommée internationale, longtemps responsable des questions musicales au PCI, livre ici un recueil de ses textes les plus importants pour comprendre cet acmé de la musique contemporaine et les débats qui l’ont accompagné. Luigi PESTALOZZA

ISBN : 978-2-915854-47-3

303 pages 20€

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Questions esthétiques et artistiques contemporaines
L’esthétique sémantique de Galvano della Volpe ; la poétique de Youri Lotman ; l’esthétique terrestre de José Revueltas ; le monde et la langue de Wifredo Lam ; Lénine devant Tolstoï ; Lounatcharski et les apories de l’art et de la révolution ; les clés de l’idéologie esthétique de Diego Rivera... Voici certains des thèmes abordés par Adolfo Sánchez Vázquez, qui, par ce livre paru en 1996, clôture près d’un siècle de réflexion philosophique dans le cadre d’une esthétique marxiste dont il a complètement renouvelé le langage après son ouvrage pionnier Les Idées esthétiques de Marx, étayé par le cadre général de sa réflexion sur la praxis (cf. son ouvrage de portée philosophique générale Philosophie de la praxis , paru également aux éditions Delga). Ne sont pas oubliées non plus les réflexions sur la place de l’art dans notre modernité, de la critique d’art à la critique de l’art, de la réflexion sur la socialisation de la création jusqu’à une nouvelle refondation de l’éducation esthétique. On aurait donc tort de prendre ce livre pour un recueil de texte épars, subjectifs et anecdotiques. Il témoigne au contraire du souci de couvrir exhaustivement, kaléïdoscopiquement, les questions soulevées par deux siècles d’esthétique au sein de la pensée-monde issue de Marx. Le tout servi par le déploiement serein d’une pensée systématique. Traduit de l’espagnol par Luis Dapelo Présentation par Aymeric Monville. Adolfo Sánchez Vázquez (1915-2011), philosophe, poète et critique littéraire hispano-mexicain. Militant communiste pendant la IIe République espagnole, qu’il défend activement jusqu’à la fin de la guerre civile, il est ensuite contraint de s’exiler au Mexique. Il y commence alors une carrière académique en devenant professeur de philosophie à la prestigieuse UNAM. Il est considéré, avec Bolívar Echeverría, comme l’un des plus grands théoriciens du « marxisme critique » hispanique. Les Éditions Delga ont déjà édité Philosophie de la praxis, son oeuvre majeure, et publieront prochainement Les Idées esthétiques de Marx.

ISBN : 9782376072010

339 pages

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Trajectoires de la peinture
Attention, ceci n’est pas un livre d’art. Encore moins un essai sur l’esthétique. C’est le livre d’un peintre sur la peinture. A part Delacroix, Van Gogh et quelques autres, le phénomène est trop rare pour ne pas être signalé. Jean-Pierre Jouffroy fait ici parler la peinture de l’intérieur, dans son histoire et sa dialectique interne. De Giotto à Nicolas de Staël, de Bruegel à Charles Lapicque, la peinture est envisagée comme une succession de systèmes figuratifs d’ensemble, pensés historiquement. Loin de plaquer sur elle une rhétorique arbitraire, la peinture est ici conçue comme un langage propre, qui obéit à ses propres lois et excède le simple rôle d’ « illustration » naturaliste que l’académisme lui assigne. Avant de savoir ce que la peinture représente, il faut d’abord comprendre comment elle se présente, comprendre les lois de fonctionnement instrumental, gestuel et mental du peintre. Au travers de ce recueil presque exhaustif des textes de Jouffroy de 1962 à nos jours, de sa lutte en milieu communiste pour refuser les diktats du « réalisme socialiste » jusqu’à ses ultimes recherches sur la lumière, on apprendra également une multitude de détails : Comment évoluent les techniques et les matériaux ? Pourquoi le modelé est-il incompatible avec la couleur ? Quelle est la raison plastique de la rupture entre Van Gogh et Gauguin ? Pourquoi l’académisme contemporain en veut spécialement à la peinture ? Quel rôle jouent la division de la touche ou le ton local de l’objet dans la modernité ? Pourquoi l’abstraction porte-t-elle une attention nouvelle au caractère concret des moyens plastiques ? En quoi le physicien Chevreul a-t-il révolutionné la peinture ? Quel point de convergence peut-on établir entre les progrès de la physique et certaines théories picturales ? En quoi l’oeuvre de Chardin est-elle un point d’appui de toutes les modernités à venir ? Pourquoi ce qui caractérise le cubisme est moins le caractère statique du cube que le mouvement ? En quoi David est-il le père d’une conception pluraliste en art comme fondement de la politique culturelle ? En quoi Nicolas de Staël initie-t-il une reconstruction figurative à partir de l’abstraction ? Voici donc une invitation au voyage en compagnie de tous ceux qui ont fait la peinture moderne. Jean-Pierre JOUFFROY

ISBN : 978-2-915854-23-7

653 pages 28€

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